Premières scènes : 3 conseils pour passer du studio au live
La transition du studio à la scène peut s’avérer un exercice périlleux. Après avoir passé d’innombrables heures à polir et figer chaque aspect de son album, l’heure vient finalement de laisser place à l’imprévu et à la spontanéité du spectacle vivant, amenant avec lui son lot d’interrogations et parfois-même, d’inquiétudes. Mais pas de panique, Studio Davout vous révèle les trois points clés pour réussir avec brio cette nouvelle étape de votre parcours musical.
L’enregistrement d’un album est un moment crucial dans la carrière d’un artiste. Bien souvent, le projet retrace une ligne de pensée et se fait le témoin actif d’une tranche de vie mise en musique, savamment explorée au travers des différentes pistes de l’album. Mais alors, que se passe-t-il quand ces morceaux prennent vie sous les projecteurs ? Comment retranscrire l’atmosphère choisie pour un album de manière visuelle ? Si l’exercice de la scène peut paraître périlleux, il n’est en que plus salvateur et gratifiant quand il est réussi. Sans plus attendre, nous vous révélons les trois points clés pour réussir son passage du studio à la scène.
1. Définir son coût plateau
Après des mois de dure labeur, vous avez finalement trouvé l’instrumentalisation qui retranscrit au mieux l’atmosphère que vous vouliez conférer à votre album. Vous avez tiré parti des avantages qu’amène la production studio tels que les outils de MAO (musique assistée par ordinateur), la superposition de voix, de bandes sonores etc… Cependant, l’heure est arrivée de défendre votre projet sur scène et une myriade de questions se bousculent dans votre tête. Comment vais-je adapter mes morceaux à un format différent ? Dois-je retravailler mes pistes instrumentales ? De combien de musiciens aurais-je besoin sur scène ? Toutes ses interrogations vont vous servir à définir votre coût plateau.
Le coût plateau est un paramètre déterminant dans la création d’un spectacle vivant. En effet, chaque musicien présent sur scène doit être rémunéré, englobant également les équipes son et lumière. Plus vous ferez appel à d’autres artistes, plus votre coût plateau sera élevé. Si vous venez de démarrer, vous n’aurez probablement pas le budget pour réaliser un show à l’américaine avec une trentaine de danseurs et des feux d’artifices. C’est pourquoi de nombreux jeunes artistes privilégient l’utilisation d’une bande sonore, permettant ainsi de réduire les dépenses liées à la production d’un concert.
2. Designer une scénographie
Pour ajouter une plus-value à son concert et attirer l’œil des programmateurs, il est important de mettre au point un concept permettant de s’éloigner d’une simple reproduction musicale de l’album. Ce travail peut passer par un arrangement instrumental différent de celui choisi pour l’enregistrement studio, par des interactions avec le public ou en croisant plusieurs disciplines du monde du spectacle. Si l’on prend l’exemple de la chanteuse française Suzane, cette dernière aime à mêler chant et danse contemporaine lors de ses représentations, donnant un aspect singulier à ses prestations, les teintant de son identité artistique et scénique.
Si la production studio permet un travail du son plus avancé, la scène présente elle aussi de nombreux avantages ! Une dimension visuelle vient s’ajouter au projet sous les traits d’une scénographie. Celle-ci peut prendre une forme virtuelle de par la projection de clips vidéos en arrière-plan, permettant de créer une porte d’entrée visuelle dans l’univers d’un artiste. Si le budget le permet, elle peut aussi prendre une forme physique en s’associant, par exemple, avec des danseurs ou d’autres musiciens. Un artiste pourrait faire appel à des instrumentistes externes pour présenter une version inédite d’un morceau, retravaillée avec des sonorités différentes dans l’optique de la scène. Les mots-clés d’une prestation scénique restent l’inventivité et la nouvauté ! Il est tout de même préférable de garder une certaine malléabilité dans son organisation, ce qui permet de faire voyager le spectacle de salle en salle, sans trop se soucier des différentes configurations. Alors, montrez-vous créatifs et démarquez-vous !
3. Dévoiler sa personnalité
La scène est avant tout l’endroit qui permet aux artistes de rencontrer leur public. Au-delà de la performance musicale, le live est l’occasion de casser la barrière entre musiciens et auditeurs. En opposition totale avec l’aspect lisse et figé d’un enregistrement, la scène est le lieu de la spontanéité, où un artiste peut se dévoiler entièrement à son public. C’est un instant à saisir ! Profitez-en pour inviter les spectateurs dans votre monde en interagissant avec eux. N’hésitez pas à partager, par exemple, les histoires qui ont inspiré vos morceaux. Car s’ils sont venu pour entendre pour votre musique, ils sont également là pour voir les personnes que vous êtes. Alors lâchez prise et profitez de ce beau moment de partage !